Sir Bob wird 70

Am 24.5. wird Bob Dylan seinen 70. Geburtstag feiern.
Wahrscheinlich irgendwo auf einer Konzertbühne, da der gute Bob seit 1988 auf seiner „Neverending Tour“ ist. Seit 1960 veröffentlicht Dylan bei ein und derselben Plattenfirma seine Musik - Columbia/Sonybmg. Und da die Tante Sony derzeit aus dem toten Michael Jackson nix mehr rauskriegt und es gerade dieses Jahr mit Elvis nichts zu feiern gibt (76. Geburtstag gibt nichts her), wird wird der hilflose Konsument ab Mai von einer unwiderstehlichen Bob Dylan-marketingwelle überrollt werden. „Du müssen kaufen“ wird es unweigerlich aus allen Äthern schallen.

Nicht jedoch für den Leser dieses Blogs, welcher hier wiederum die Rolle des gallischen Dorfes wahrnimmt. Wir werden dem Wahnsinn standhalten und liefern schon jetzt den einzigen objektiven (ich habe die Dylan-Wahrheit) „Bob Dylan-kauf-empfehlungs-guide“. Geordnet für Einsteiger, Kenner, Sammler, Angeber, Besserwisser und Ignoranten.

Für Ignoranten & Komplettisten

Sie interessieren sich nicht wirklich für Pop & Rockmusik, haben von Bob Dylan gehört und das dieser wichtig sei und wollen eine CD von ihm kaufen - weil man so was haben muß. Abgesehen davon, daß Sie offensichtlich im - für Sie – falschen Blog gelandet sind, kann ich Ihnen nicht wirklich helfen. Bob Dylan hat in einem Zeitraum von über 50 Jahren Hunderte Songs und über 32 Studioalben aufgenommen (Livealben, Soundtracks & Anderes nicht mitgezählt). Fast jedes Album spielte Dylan mit anderen Musikern ein und bewegte sich dabei in nahezu allen Stilen von Blues & Folk über Rock & Country zu Gospel & Pop und wieder zurück. Wer glaubt, daß man das Werk dieses Mannes auf eine simple „Greatest Hits –CD“ bannen kann, sollte gleich die Finger von Sir Bob lassen. Und wenn es dann unbedingt sein muß kaufen Sie:

The Best of
  und schämen Sie sich.

 Für interessierte Einsteiger:

Sunday Morningt Coming Down - Get in the Soultrain with Sharon Jones

Sharon Jones & the Dap Kings live in München am 22. 10. 2010

In Österreich hört man öfters von einem Kirchensterben, von leeren Gotteshäuser und einem Rückgang der Gläubigen. Ein Problem welches sich leicht lösen lässt. Man müsste nur die Soulgranate Sharon Jones und ihre Band – the Dap Kings - für Auftritte in den heimischen Gotteshäusern engagieren. Die Buden wären im Handumdrehen wieder voll. Dies könnte jedoch zu einer anderen viel folgenschwereren Konsequenz führen. Ein Konzert von Sharon und ihrer Band verlassen die Besucher so beseelt und befreit, dass Sie danach vielleicht nie wieder eine Kirche brauchen. Es ist diese unvergleichliche und wahrhaftige Freude welchen den Hörer bei diesen Konzerten erfasst. Eine Freude die nur mit dem paradiesähnlichen Zustand zu vergleichen ist, welchen Adam & Eva genossen haben, bevor sie vom Gottvater aus dem selbigen vertrieben wurden. Seitdem irrt der Mensch durch die Geschichte auf der verzweifelten Suche nach dem ursprünglichen Glück und versucht seine Leere durch Konsum, Drogen und andere vermeintliche Abkürzungen zu füllen. Alle bisherigen Versuche des lieben Gottes den Menschen durch Propheten und Religionen aus seinem geistigen Gefängnis zu befreien, können als gescheitert betrachtet werden. So blieb dem Allmächtigen nur mehr ein allerletzter Weg – die Musik. Nicht irgendeine Musik – Soulmusik.
Es war der größte Sänger des 20. Jahrhundert – Sam Cooke – der diesen Erlösungsprozess einleitete. Sam Cooke war, wie die meisten schwarzen Sänger, ein Gospelsänger. Er war es, der zwei der größten historischen Gegensätze verband und daraus einen neuen heiß brennenden Musikstil schuf. Sam Cooke vereinigte Religion mit Sex. Er verband das Preisen und Loben Gottes in der Gospelmusik mit den Freuden der irdischen Liebe. Soulmusik war geboren und viele Propheten folgten um diese neuen Wahrheit den Menschen zu verkünden. Und sie taten das nicht mit Feuer und Schmerz sondern mit Rhythmus, Leidenschaft & Seele. James Brown, Aretha Franklin, Ray Charles, Tina Turner, Al Green, Otis Redding, Wilson Pickett & Mavis Staples brachten die Gospel in die ganze Welt. Und wir Europäer, emotional gelähmt, kopfgesteuert und freudlos dahin fristend können nur dankbar sein, dass es diese Musik gibt.
Die aktuelle Hohenpriesterin des Soul heißt Sharon Jones kommt aus Georgia und katapultiert mit ihrer Band den Soul der 60er Jahre ins 21. Jahrhundert. Am Freitag hatte ich die Gelegenheit ihrem Konzert in München beizuwohnen, welches zu einer Messe ausartete und ausschließlich bekehrte Seelen in die Nacht entließ. Sharon fegte und jubilierte über die Bühne als gelte es mit ihrer Band einen kollektiven Exorzismus durchzuführen. Die Frau tanzte, sang und frohlockte. Begleitet wurde Sie von den Dap Kings eine Band die so präzise spielt als gelte es mit Rasierklingen Atome zu spalten und zugleich eine entspannte Lockerheit an den Tag legt welche nicht mal in Wiener Kaffeehäusern zu finden ist. Mein Gott. Wenn Bruce Springsteen könnte, er würde sofort diese Band engagieren und seine E-Street Band wie räudige Hunde in die Wüste schicken. Sharon Jones & the Dap Kings bewiesen auf eindrucksvolle Weise warum man diese Musik Soulmusik nennt. Weil diese Musik die Seele befreit. Ich muss jetzt aufhören zu schreiben. Muss tanzen gehen und Seele befreien…………….
Andi Bauer

Ps.
HIER ein Konzert von Sharon Jones & the Dap Kings

Sunday Morning Coming Down - Bono, Eddie, Jimi & Bob tanzen entlang dem Wachturm

Mit seinem Film “I`m not there“ von 2008 versucht Regisseur Todd Haynes sich dem Musiker Bob Dylan zu nähern. Er machte das einzig richtige, indem er die verschiedensten Phasen der Karriere des Musikers, von sechs Schauspielern verkörpern lässt. Darunter finden sich Christian Bale, Richard Gere, Heath Ledger und sogar Cate Blanchett, die Bob Dylan darstellen. Ein sehenswerter Film mit einem interessanten Soundtrack. Musiker der aktuellen Alternativrockszene interpretieren Lieder des Meisters. Ein schöner Querschnitt durch viel frühes, ein bisschen mittleres und wenig spätes aus 40 Jahren Musikgeschichte. Nebst einigen witzigen und auch skurrilen Visionen gibt’s wieder mal eine Version von „All along the watchtower“. Viele große scheiterten bereits an diesem Lied, wie auch U2. Bono fühlte sich 1988 sogar bemüßigt eine Textzeile zu „Watchtower“ hinzuzufügen.
„All I got is this red guitar, tree accords and the truth“
Ja, so peinlich ist das heute noch - nach 22 Jahren, nachzuhören auf „Rattle and Hum“. Auch auf dem Soundtrack von „I`m not there“ wird ein neuer Versuch gestartet das Lied neu zu deuten. Pearl Jam Sänger Eddie Vedder knödelt sich durch das Lied, durch begleitet von einem breiten schweren Morast aus Grungegitarren. Ein Jammertal. Es gibt einfach Lieder von „Sir Bob“ die brauchen keine Erklärungen und Neudeutungen. Und „Watchtower“ hat schon eine definitive Version, die von Jimi Hendrix. Erschienen ist das Lied erstmals 1968 auf Dylans „John Wesley Harding“ Album, das nach einem zweijährigen verletzungsbedingten Asyl – damals war das sehr, seeehr lange – von den Fans sehnsüchtig erwartet wurde. Während Kritiker, selbsternannte Experten und Dylanologen versuchten den kryptischen Text zu entschlüsseln, nahm sich Jimi Hendrix der Nummer an. Hendrix sang das Lied, nicht sondert spuckte die Worte aus als seien diese giftige Säure, nahm seine Gitarre, zerschnitt die Nummer in winzige Stücke und schoss diese ins Universum. Da blieb nichts mehr übrig, von der ursprünglichen Folkversion. Dylan war so begeistert, dass er verkündete nur noch die Hendrix Version des Liedes live zu spielen, da dies nun die definitive sei. Somit zeigte er, dass es in der Musik nicht immer um das begreifen der Noten und Akkorde geht, sondern auch darum den Geist des Werkes zu erfassen. Um was in dem Lied wirklich geht, sagte Dylan noch nie. Sein Kommentar zum Album ist in seinem Buch „Chronicles“ nachzulesen. „Some Folk/Countryalbum inbetween“. A-Ha. Für mich ist die Bedeutung der Nummer klar. Es sind 6000 Jahre biblische Geschichte, von der Schöpfung bis heute und wieder zurück. Und wenn man sich die Geschichte so anschaut, dann braucht es wahrscheinlich eine Gitarre von Hendrix um diese adäquat zu erzählen.



All along the Watchtower
"There must be some kind way out of here
Said the joker to the thief
There's too much confusion
I can't get no relief

Businessmen, they, they drink my wine
Plowmen dig my earth
None will level on the line
Nobody of it is worth", hey

No reason to get excited"
The thief, he kindly spoke
"There are many here among us
Who feel that life is but a joke

But you and I, we've been through that
And this is not our fate
So let us not talk falsely now
The hour is getting late", hey

Hey

All along the watchtower
Princes kept the view
While all the women came and went
Barefoot servants too

Outside in the cold distance
A wildcat did growl
Two riders were approaching
And the wind began to howl, hey

All along the watchtower
All along the watchtower”

Pure Joy

Good@Wise Musiktipp: Robert Plant / Band of Joy
Neulich meinte der eitle Schwätzer Bono, dass U2 nicht anstreben die größte, sondern vielmehr die beste Band der Welt zu werden. Ein möglicherweise, unabsichtlicher Anflug von Weisheit? Denn der Titel „Größte Band der Welt ist seit 40 Jahren fest in den Händen von Led Zeppelin“ und das wird sich in den nächsten Jahrzehnten auch nicht ändern. Es mehren sich vielmehr die Anzeichen, dass die britischen Bluesrocker auf diesen Titel einzementiert sind. Als Led Zeppelin 2008 ein einmaliges Konzert in der Londoner Q Arena gaben, meldeten sich 20 Millionen Menschen, für die 20.000 zur Verfügung stehenden, Karten an. Wenn die ganz Großen (Rolling Stones, U2, Madonna) auf Welttournee gehen werden im Vergleich weltweit 3-4 Millionen Tickets verkauft. Aber was sollen die Zahlenspielereien, lassen wir die Musik sprechen. Die ersten sechs Alben von Led Zeppelin sind so gewaltige Rock-Monolithen, da braucht es nichts mehr – „The First And The Last Word in Rock“. Oder, anders gesagt, sollte der liebe Gott mal dran denken den Urknall zu vertonen, weiß er an wen er sich wenden muss. Warum – so mag sich mancher Leser fragen – die plötzliche Euphorie für die Dinosaurier. Nun, Zeppelinröhre Robert Plant hat gerade ein sensationelles Soloalbum veröffentlicht und nachdem ich mir das Ding dreimal durchgehört habe, wurden die alten Zep-Scheiben wieder mal aktiviert. Dies bräuchte es nicht mal. Robert Plants Album ist wunderbar. Weit weg von einem Alterswerk vermittelt der 62jährige eine Aufbruchsstimmung welche man bei seinen jüngeren Nachäffern schon lange vermisst. Die Reise führt wieder mal durch die USA ins Mississippi-Delta, nach Nashville und natürlich gibt’s auch einen kurzen Stopp in Memphis. Man ahnt es, knackiger Blues, frischer Folk und gedrosselter Rock mit einer Prise Country wird dargeboten. Plants Stimme erweist sich einmal mehr als Instrument im eigenen Recht. Schon lange muss der Mann nicht mehr beweisen dass er auch die höchsten Töne trifft. Gekonnt und nuanciert hantelt sich der beste aller Rocksänger durch die unterschiedlichsten Stile und Facetten der Lieder, begleitet von den besten Countrymusikern Amerikas. Man höre nur das mitreißende „Can`t Buy my Love“, das verschlurfte „Falling in Love Again“ oder das stupende „Satan Your Kingdom Must Come Down“. Ein Hörgenuss für hungrige Forscher & ewige Rocker. Und die beste Band der Welt ist immer noch….you can guess.
Andi Bauer

Sunday Morning Coming Down - Jesus der Lässigen

Gerade ist Post aus den USA eingetroffen. Ein guter Freund hat mir ein T-Shirt mit der Aufschrift. „Finally We Nailed the Jesus Of Cool“ geschickt. Dieser Werbespruch für ein Album von Nick Lowe aus dem Jahre 1978 bringt mich zu einer wichtigen Frage. Möglicherweise zu DER Frage überhaupt. Wie lautet der beste Plattentitel aller Zeiten. Auswahl gibt es genug. „Achtung Baby“ von U2 etwa, doof aber witzig. Oder „Ragged Glory“ als Neil Young die Gitarre auspackte und damit ein Inferno auslöste. Treffend und geistreich. Der Titel sollte auch mit den Liedern oder der Geisteshaltung des Albums zusammenhängen. Als Universal 1995 eine 4-CD Box von Bob Marley veröffentlichte nannten sie diese sinnigerweise „Songs Of Freedom“. Ein Textausschnitt aus dem wunderbaren „Redemtion Songs“ und zugleich Bob Marleys Lebenseinstellung und eine treffende Zusammenfassung seiner Lieder. Was gibt es noch zur Auswahl. Einige Ideen an dieser Stelle:

REM / Eponymous
The White Stripes / Icky Thump
Morrissey / Viva Hate
The Smith / Meat is murder
The Smith / The queen is dead
New order / Substance
Simon & Garfunkel / Bookends
Frank Sinatra / In thee we small hours
Joy Division / Closer
Emerson Lake Palmer / Brain Salad Surgery
Ween / Chocolate and Cheese
Muse / Origin of Symmetry
Led Zeppelin / Physical Graffiti
Led Zeppelin / Presence
Sigur Ros / ( )
Pet Shop Boys / Yes
Pet shop Boys/ Please
Pet Shop Boys / Very
Bob Dylan / Blood on the Tracks
Herbert Grönemeyer / Bleibt alles anders
Falco / Junge Römer
Nirvana / Nevermind
The Beatles / Help
The Rolling Stones / Beggars Banquet
Elvis Presley / From Elvis in Memphis
James Brown / I`m black and I`m proud
Miles Davis / A kind of blue
Massive Attack / Blue lines

Alle diese Titel sind zwar gut aber,.... der beste Albumtitel ist:
THE JESUS OF COOL von Nick Lowe (das T-Shirt). Nicht einverstanden?
Dann schreibt mir Eure Meinung zum besten Titel. Ich freu mich drauf.
Andi Bauer

The Hawk & The Elve

Good@Wise Musiktipp:
Isobel Campbell and Mark Lanegan / Hawk
Wäre es nicht so abgeschmackt, man würde ohne Umschweife die Kollaboration von Isobel Campbell und Mark Lanegan als „The Beauty and the Beast“ bezeichnen. Gegensätzlicher könnten zwei Musiker nicht sein, und doch gelingt es Ihnen bereits auf drei Alben einen gemeinsamen musikalischen Nenner zu finden, welcher schöner und spannender nicht sein. Mark Lanegan war in den 90er Jahren Vorstand der Grunge Rabauken Screaming Trees, mit denen er dreckigen Garagenrock spielte, der selbst Pearl Jam Angst und Respekt einjagte. Zur selben Zeit säuselte Isobel Campbell für die soften Folk–Popper Belle & Sebastian sanfte Liedchen. 2006 veröffentlichte das ungleiche Paar ihr erstes gemeinsames Album, das hervorragende „Ballad of the broken Sea“ und überraschte damit Fans und Kritiker. Nach dem zweiten Werk „Sunday at devil`s Dirt“ von 2008 folgt nun mit „Hawk“ der dritte Streich und ist schon jetzt Anwärter für die schönste Herbstplatte des Jahres.
Lanegan`s von Whiskey & Nikotin zerstörte Stimme entpuppt sich erneut als grandiose Unterlage für Campbell`s elfenhaften Gesang. Die Kompositionen pendeln geschickt zwischen störrischen Blues, gebremsten Rock und melodietrunkenen Folk. Einer der vielen Höhepunkte stellt „Time of the Season“ dar, wo beide Sänger im harmonischen Gleichklang die Geschichte einer verlorenen Liebe erzählen und dabei den Hörer scheinbar mühelos mit auf die Reise nehmen. Anders im großartigen „You won`t let me down again“ wo Lanegan getrieben von bösartigen Bluesgitarren, wie ein grollender Wolf die Worte ins Mikro bellt. Campell`s Stimme verliert sich dabei im Hintergrund, wie ein verschreckter Windstoß im Herbst. Im wunderbaren „Sunrise“ wiederum, verzichtet Campbell auf das Raubein und sing die traurigen Zeilen ganz alleine, gleich einem verträumten Engel.
„Too much pain, to much pressure – And why must I wait so long – for the One I treasure – Tommorrow that´s when I´ll be gone – at sunrise”Ein Lied über Vampire? Wer weiß das schon. Geschrieben hat die Lieder welche durchwegs Schmerz und Verlust behandeln Isobel Campell, bis auf zwei hervorragende Coverversionen aus der Feder des großen Townes van Zandt. Ein Mann der auch wusste wie man Leid und Einsamkeit buchstabiert. Ihr schönstes Lied „Lately“ platzierte Campbell am Ende der Platte und überlässt den Gesangspart – ganz Ladylike – allein ihrem Gefährten.
„Lately I`ve been looking out für the bells when the ring – bells for you and bells for me, a beautiful thing – been a long time coming soon my ship will come in – Lately”
Auch für die Einsamen gibt es noch Hoffnung.
Andi Bauer

John Mellencamp - “Fighting man`s Springsteen”

Kein Springsteen für Arme
„Poor man`s Springsteen“ – der Springsteen für Arme – so nannte man John Mellencamp in den 80er-Jahren. Eine Bezeichnung die den Versuch darstellt, den unbequemen Rocker zu schubladisieren. Unbequem, weil immer schon stur, rastlos und rebellisch. Mellencamps Karriere scheint ein einziger Kampf zu sein, mit unendlichen Schlachten an verschiedensten Fronten. Gegen gierige Plattenfirmen, inkompetente Musikmanager, korrupte und ignorante Behörden, eine intolerante Gesellschaft, verständnislose Ehefrauen und letztlich gegen sich selbst, wegen diverser Krankheiten, Schlaganfällen und dem nahenden Tod. Kein amerikanischer Musiker scheint patriotischer und zugleich rebellischer zu sein. Keine Karriere kann größere Sprünge verzeichnen und reiht so eng Großtaten und Erfolge neben Peinlichkeiten und Misserfolge. Von einem derzeitigen Comeback bei John Mellencamp zu sprechen ist falsch wie überflüssig. Seine letzten beiden großartigen Alben Life Death love and Freedom & No Better Than This, sind vielmehr eine Heimkehr. John Mellencamp scheint mit seiner aktuellen Musik endlich bei sich angekommen zu sein. Ein langer Weg von Johny Cougar zu John Mellencamp und eine Gelegenheit für das Porträt eines Unbequemen, der in Europa immer noch zu wenig wahrgenommen wird.

Der langwierige Start einer wechselhaften Karriere
Aufgeschlossene Beobachter wundern sich heute noch, dass Mellencamp`s Karriere überhaupt zündete. Seine ersten vier Studioalben (1979-84) sind unhörbarer Quatsch und servieren eine furchtbare musikalische Melange aus New Wave, melodiearmen Pop und verunsicherten Rock N´Roll. Es mag an der damaligen Großzügigkeit und Geduld der Plattenfirma gelegen haben – heute kriegt kein Künstler nach zwei verhauten Album eine weitere Chance – und auch an dem kleinen Hit „I need a lover“ (top 10 in Australien), dass John Cougar noch die Gelegenheit bekam, ein fünftes Album aufzunehmen. American Fool erschien 1982, als der große Bruder Bruce Springsteen mit dem introvertierten Nebraska eine Auszeit aus dem Rockzirkus nahm und passte perfekt in die frühen 80er-Jahre. Gefälliger, patriotischer Roots-Rock, glatt produziert und auf Hitparade getrimmt. Und diesmal hatte Mellencamp sogar einige zwingende Melodien eingebaut. Die fetzige Single Hurt so good schaffte es sogar auf Platz eins der US-Charts und zog das Album mit, welches auch auf an der Spitze der Albumcharts landete. Es sollte kurioserweise Mellencamps einzige Nummer eins bleiben. Der Nachfolger Uh-Uh warf zwei weitere Hits ab und propellte den Musiker zum neuen US-Superstar. Zwischenzeitlich veröffentlichte Springsteen Born in the USA. Patriotischer Rock war das neue große Ding zwischen New York und L.A. Neben dem großen Bruce war 1985 jedoch wenig Platz und Mellencamp kassierte rasch den Begleitsatz: „Springsteen für Arme“. Unpassend und schlicht falsch. Mellencamp spielte nie den pathostriefenden Breitwandrock wie sein erfolgreicher Kollege. Seine Lieder waren immer schon inwendiger, was er mit seinem siebten und charakteristischsten Album beweisen sollte.
Der Regen auf die Vogelscheuche brachte die großen Hits
Rain on the Scarecrow ist immer noch das Referenzwerk des störrischen Musikers. Mellencamp wuchs in einer Kleinstadt im Bundesstaat Indiana auf, war schon immer politisch aufgeweckt und hasste aus ganzen Herzen die Reagan-Administration, seiner Ansicht nach, die USA für immer verändern würde. Sein Album Scarecrow war ein Statement über die Missstände des Landes. Der Titelsong behandelt mit schmerzhaft deutlichen Worten den Verlust der Würde der heimischen Farmer.

Rain on the scarecrow Blood on the plow
This land fed a nation This land made me proud
And Son I'm just sorry there's no legacy for you now
When you take away a man's dignity he can't work his fields and cows
Mellencamp machte aus seinem Herzen nie eine Mördergrube. Seine offene Kritik an die Republikaner, welche er bis in die Bush-Jahre fortsetzte, schuf ihm in der eigenen Nachbarschaft viele Feinde. Für viele Amerikaner hat sich der Künstler aufgrund seiner konsequenten Kritik des Landesverrats schuldig gemacht. Wahrlich kein kluger Schritt für die Karriere in „Gods own country“, jedoch ein konsequenter. „Scarecrow“ war auch die erste „Americana“-Platte, bevor es dieses Genre überhaupt gab und kann stilistisch als einleitendes Album für die „No Depression“ Bewegung betrachtet werden, welche Anfang der 90er-Jahre alternativ Country-Bands wie Wilco, Sixteen Horsepower, Uncle Tupelo und Musiker wie Ryan Adams, Connor Oberst & Bonnie Prince Billie eine Karriere ermöglichte. Auch die restlichen 80er-Jahre waren gut zu Mellencamp. Zwei weitere Hitalben (The Lonesome Jubilee 1987 & Big Daddy 1989) und erfolgreiche Tourneen füllten die Kriegskasse. Ferner wurden zum ersten Mal die Kritiker auf ihn aufmerksam und lobten den melodiösen und fein arrangierten Countryrock.
Von Scheidungen, Herzinfarkten und anderen Karrierestolpersteinen
Der Preis für den Erfolg wurde, wie allzu oft, an der häuslichen Front bezahlt.1989 ging der Musiker durch eine hässliche Scheidung. Diese wurde offensichtlich mit einer trotzig wütenden Platte voller Pessimismus und apokalyptischen Warnungen bearbeitet. Whenever We Wanted von 1991verstörte viele Fans. Der gefällige Countryrock wurde von lärmenden E-Gitarren und kreischenden Bläsern verdrängt. In den 90ern entdeckte der Künstler auch die Malerei, was eine Veränderung im Fokus bedeutete. Die Alben dieser Zeit bedeuteten selbst für Fans besseren Durchschnitt und vermittelten trotz einiger starker Titel eine generelle Lustlosigkeit. Frustriert von der eigenen Stagnation und der Tatsache seit zehn Jahre keinen Hit mehr gelandet zu haben, wechselte Mellencamp 1998 Plattenfirma und Management und suchte bei traditionellen Rocklabel Columbia (Springsteen, Billy Joel) eine neue Heimat. Auch ein mühsam überwundener Herzinfarkt zwang den Künstler neue Wege zu gehen. Der Neuanfang sollte gleich mit einem selbstbetitelten Werk dokumentiert werden. Das Album war jedoch zu schwach und einer der Titel – „Pissing against the Wind“ – entpuppte sich als Orakel für Mellencamp`s Karriere. Nach einem weiteren Flop tauchte der Musiker unter. Auch die treuesten Fans waren sich sicher, dass hier ein weiterer alternder Rockstar seine Karriere endgültig zu Grabe getragen hat. Alle irrten.
Auferstehung durch Rückbesinnung
Um den unnötigen Springsteen Vergleich endgültig zu beenden, sollte die derzeitige erstaunliche Revitalisierung von Mellencamps Karriere mit der des Bob Dylan verglichen werden. Amerikas größter Songwriter ist in den 80er-Jahren auch am Ende seiner Weisheit angelangt. Schwache Alben und lustlose Tourneen ließen den Meister an sich selbst zweifeln und das Karriereende ernsthaft in Betracht ziehen. Es war dann das hervorragende Oh Mercy, welches Dylan aus der Ecke rausholte. Vollends befreit haben ihn dann seine beiden Alben mit Blues und Folkklassikern, welche er 1992 und 1993 veröffentlichte. Dylan besann sich seiner Wurzeln und veröffentlichte schließlich seine besten Alben seit Jahrzehnten. Auch John Mellencamp nahm 2003 ein Album mit Folk-Klassikern auf. Trouble no more wurde zwar kein großer Hit, befreite jedoch den Künstler von Zwängen und selbstgestellten Erwartungen. Sein darauffolgendes Studioalbum (Freedom Road 2007) entpuppte sich als zorniger Countryrock im Geiste von Scarecrow. In den Texten rechnete Mellencamp gnadenlos mit der Bush-Administration ab. Aber dies sollte nur die Aufwärmrunde für Life Death Love and Freedomsein, welches sein bestes Album bis heute werden sollte und 2008 erschien.
Zuhause angekommen mit Leben, Tod, Liebe und Freiheit
Fans und Kritiker zeigten sich verwundert und erfreut was in dem alten Knaben noch steckte. Man hat es vermutet aber nie zu erwarten gewagt. Nicht unwesentlich am künstlerischen Erfolg war Produzent T. Bone Burnett mitbeteiligt, der Mellencamp endgültig von den Konzepten befreite, dass seine Lieder eine radiofreundliche Produktion bräuchten. Burnett reduzierte die teils erschütternd direkten Lieder zum musikalischen Skelett. Textlich ist Mellencamp nach seinem nationalen Rundumschlag inzwischen bei sich selbst angekommen und beschreibt die letzten Dinge mit einer Endgültigkeit, die dem Hörer die Sprache verschlägt.
If I die sudden, Please don't tell anyone
There ain't nobody that needs to know that I'm gone
Das Album ist ein Meisterwerk amerikanischer Songwriterkunst und verdient einen Platz zwischen Springsteen und Dylans besten Werken. Das aktuelle Album No better than This setzt diesen Konzept noch konsequenter fort und orientiert sich am Sound alter Blues und Folkballaden aus den 1930er-Jahren. Aufgenommen im trotzig knarrenden Monosound, in traditionellen amerikanischen Studios, bietet No better than This eine spannenden Zeitreise in die USA des frühen zwanzigsten Jahrhunderts. Mellencamp hingegen, ist endgültig bei sich angekommen und macht offensichtlich nur noch das, was ihm am Herzen liegt. Dazu gehört auch das Projekt Farm-Aid, welches der Musiker gemeinsam mit Neil Young und Willie Nelson betreibt. Seit 20 Jahren findet jährlich ein Farm-Aid Musikfestival statt. Inzwischen wurden dadurch bereits Millionen für notleidende Farmer gesammelt.
Musikalisch hat Mellencamp inzwischen auch seine Vergangenheit geordnet. Nachzuhören bei seinem im Juni erschienen Vier-CD-Set On the Rural Route 7609, welches einen Karriereüberblick bietet. Die eigenwillige Songauswahl stellt für derartige Box-Sets ein Novum dar. Üblicherweise versammeln Künstler auf diesen Retrospektiven ausreichend Hits und eine Sammlung Raritäten für die Fans. Mellencamp hat das Konzept überworfen und bietet einen thematisch geordneten Blick auf seine Karriere mit Titeln, welche seiner Ansicht nach mehr Beachtung finden sollten. So finden sich auf Rural Route fast keine Hits, dafür jedoch 15 Titel aus den letzten beiden Alben und interessante Albumtracks aus den letzten 25 Jahren. Keine Konzessionen an den Markt, dafür eine spannende Einführung in das Werk eines der interessantesten und immer noch unterschätztesten Künstler der letzten drei Jahrzehnte. Einfach war er John Mellencamp nie, aber er hat immer für seinen Standpunkt gekämpft. Wie er das auf einem Titel aus dem 1985er-Album Scarecrow verdeutlichte.
You've got to stand for something
Or you're gonna fall for anything
Andi Bauer

Empfehlungen
Words and Music 2004 Mercury (Universal) ASIN: B00065VRXS
On the Rural Road 2010 Island (Universal) ASIN: B002GYHIWG
No better than This 2010 Decca (Universal) ASIN: B003NWS5DQ

Sunday Morning Coming Down - Dänische Delikatessen

Dänische Delikatessen - ein toller Film. Ansonsten zeigen sich die Dänen im Augenblick wenig geschmackssicher, oder um es anders zu sagen: „Etwas ist faul im Staate Dänemark“. Hansi Hinterseer ist die neue Nummer eins im nordischen Königreich. Die Meldung des Tages – keine Frage. Der – wie sagen wir es höflich - Entertainer ist mit einer Best Of CD, welche sich „The Danish Collection“ nennt an der Spitze der dänischen Album Charts gelandet. Immer dann wenn man glaubt das Musikgeschäft so halbwegs zu durchschauen, passieren so wunderbare Dinge. Der DJ Ötzi war ja auch in Australien, England und in gefühlten 150 anderen Ländern Nummer eins. Dessen Hit hieß damals zumindest Hey Baby, was zugegeben die Sache auch nicht viel besser macht. Es wird zunehmend verständlich, dass der Österreicher immer noch den Mozart Wolferl als musikalische Referenz für unser Land in die Diskussion führt und sich von der heimischen „Popszene“ distanziert. Die Menschen jenseits der Grenze müssen ja inzwischen glauben, dass die Menschen in unserem Land eine Mischung aus DJ Ötzi, Jörg Haider und Fiona Grasser sind. Da hilft es auch nicht der Netrebko die Staatsbürgerschaft aufzudrängen, die bleibt trotzdem Russin. Und was, verdammt nochmal, ist mit den Dänen los. Gibt es Engpässe bei Wodka oder anderen Betäubungsmitteln, oder wollten sie mal vom ewigen Hamletimage weg. Das Land hat eine tolle heimische Musikszene und es gibt so viel gute Musik in der ganzen Welt. Der selbsternannte Experte und Autor dieser Zeilen ist ratlos. Ich kann nur dem guten Herrn Hinterseer und uns Allen gratulieren. Denn ein Gutes hat die Sache. Wenn mich nicht alles täuscht, muss der Hansi jetzt ganz schnell in den hohen Norden reisen und dort in TV Shows auftreten, Interviews geben, Konzerte spielen und das ganze Marketingprogramm abspulen. Also, Hansi, nütze die Chance, pack dir genug Skipullover ein (die mit den lustigen Mustern) und gewinne endgültig das Herz der kühlen Dänen. Vielleicht behalten sie Ihn – den feschen Kerl.

Andi Bauer

Ps: mit lieben Grüßen an unsere dänischen Freunde. Andere Österreicher die auch Popmusik machen und das nicht mal schlecht. Soap & Skin, Garish, Ja-Panic, Anna F, Attwenger, Cab to Candy. Hört mal rein -BITTE

Sunday Morning Coming Down - Die Musik & Filmkolumne am Sonntag

Warum wir Peter Gabriel mehr kulturelle Vielfalt verdanken und er sich jetzt seinen Rücken kratzen lässt.

Scratch my back heißt das neue Album von Peter Gabriel, welches nicht nur höchstinteressante Neueinspielung bekannter Popsongs bietet sondern auch mit einem des schönsten Plattencovers der Musikgeschichte aufwartet. Peter Gabriel hat nicht nur eine erstaunlich lange, (40 Jahre im Musikgeschäft) sondern viel mehr, eine sehr bunte Karriere vorzuweisen. In den frühen 70er Jahren verdingte sich der Allroundkünstler als Sänger der Prog-Rocktruppe Genesis, schrieb skurril, phantastische Texte und verhalf der Band zu einigen, wirklichen großen und wichtigen Alben - und stieg am Höhepunkt (1975) wieder aus. Gabriel sah keine Entwicklungsmöglichkeiten für die Band und startete eine Solokarriere. Genesis musizierten mit Phil Collins als Sänger weiter, und schafften es mit jeder neuen Platte ein bisschen schlechter und - konträr dazu erfolgreicher zu werden. Ist auch eine Leistung.

Inzwischen forcierte Peter Gabriel seine Solokarriere und gab seinen Platten nicht mal einen Titel. Bis heute werden seine Werke chronologisch geheißen: die Erste, die zweite, usw. Ein Albtraum für die Marketingabteilung der Plattenfirma. Erst das Album SO aus dem Jahre 1986, durfte sich mit einem Titel schmücken. Musikalisch zeigte sich deutlich, dass hier kein Musiker auf der Suche nach Starruhm unterwegs ist, sondern vielmehr ein Getriebener auf der der Suche nach Klängen, Rhythmen und Melodien welche er als adäquate Ausdrucksformen einsetzten kann. Musik als Sprache. Gabriels erste vier Alben (1977-82), pendeln zwischen (sehr großzügig ausgelegten) Pop, Rock & äh Kunst. Gabriels Werke sind schwierige und faszinierende Klangkörper welche Aufmerksamkeit fordern. Sein fünftes Album SO brachte 1986 nicht nur einen Albumtitel, sonder auch den großen kommerziellen Durchbruch. Das Album hatte mit „Sledgehammer“ und dem wunderbaren Duett „Don`t give up“ mit der göttlichen Kate Bush zwei Monsterhits, und war auch sonst zugänglicher und massentauglicher – was in diesem Zusammenhang nicht „schlechter“ bedeutet. Gabriel nutzte zu jener Zeit auch das Musikvideo als neue Ausdrucksmöglichkeit und schuf grandiose Clips welche heute noch zu den Klassikern des Genres zählen. Die Tantiemen der Millionenverkäufe des SO Albums sprudelten und Gabriel investierte das Geld in sein Herzensprojekt – die REALWORLD Studios. 1988 eröffnete der Künstler das Studio in England und wurde zu einem wesentlichen, wenn nicht der ausschlaggebende, Initiator für die Globalisierung von Worldmusic. „Worldmusic“ gilt als Sammelbegriff für Musik, welche nicht dem Westen (Europa, USA) entspringt. Die Realworld Studios wurden zu einem Treffpunkt für Musiker aus der ganzen Welt. Von Afrika bis Südamerika gaben sich die renommiertesten Künstler dieser Regionen die Klinke in die Hand und nahmen in den Realworld Studios ihre Musik auf. Studiobesitzer Peter Gabriel mischte sich nicht in die Aufnahmeprozesse ein, übernahm jedoch mit seinem Unternehmen das weltweite Marketing, die Promotion und den Vertrieb und sorgte damit dafür, dass diese Musik von nun an in Europa und den USA gehört und gekauft wurde. In einem aktuellen Interview spricht Gabriel von dem großen kulturellen und spirituellen Reichtum der entsteht, Künstler aus anderen Kontinenten zu beobachten und zuzuhören. Der Musiker hat das richtige Zuhören als eigene Kunstform begriffen und daraus ein ganzes Unternehmen geschaffen. In diesem Licht macht auch Gabriels neue Platte mehr Sinn als auf dem ersten Blick. Peter Gabriel hat noch nie Lieder von anderen aufgenommen. Scratch my back enthält nur Fremdkompositionen. Lieder von David Bowie, Arcade Fire, Radiohead, Lou Reed und anderen Musikern, welche Gabriel mit Orchester neu eingespielt hat - jedoch mit einer interessanten Auflage. Gabriel hat die ursprünglichen Interpreten aller Titel, im Gegenzug gebeten, ein Lied von ihm neu einzuspielen. Im Herbst erscheint dann quasi die Fortsetzung des Projekts. I will scratch yours mit Radiohead, Lou Reed und all den Anderen welche Lieder von Peter Gabriel neu interpretieren werden. So was nennt man dann kulturellen Austausch oder – die hohe Kunst der Kommunikation.

Andi Bauer

Sunday Morning Coming Down - Die Kolummne am Sonntag

(Photos von Mario Grabner)
Hilft das Ausschütteln von Katzen gegen Liebeskummer?

Gestern, gab die deutsche Band Element of Crime ein wunderbares, herzerwärmendes und berührendes Konzert im Innsbrucker Hafen.

Musikalisch pendelt die Band geschickt zwischen Karnevalsmusik, kauzig teutonischem Folkpop und besoffenen französischen Chansons. Das neue Album hat sogar einen in Whiskey getränkten Schuss Country. Beim Konzert servierte Sänger & Texter Sven Regener nonchalant und spitzbübisch seine Weisheiten, über die Liebe und das Leben, spielt dabei lässig seine Gitarre und Trompete und ruderte bisweilen mit den Armen wie ein betrunkener Matrose. Köstlich & Klug der Mann. Die Band agierte dabei zurückhaltend, entspannt und souverän. Viel bedeutender ist jedoch Regeners Bemühen seit 25 Jahren, das Phänomen der Liebe und insbesondere des Liebeskummers in Worte zu fassen und gemeinsam mit seinen Mitmusikern in Melodien zu zwängen. Ein – und das wissen wir alle – natürlich unmögliches Unterfangen, welches jedoch bei Element of Crime zu teils beachtlichen Ergebnissen führte. Die Band beherrscht das Thema und hat einfach die besten und auch klügsten Liebeslieder im deutschsprachigen Raum. Das Meisterstück von E.O.C. zu diesem großen Thema ist, und daran gibt es keinen Zweifel, Weißes Papier vom gleichnamigen Album aus dem Jahre 1993. Denn bei diesem Lied gelang das Unmögliche. Weißes Papier beschreibt die unstillbare Sehnsucht nach einem geliebten Menschen, begleitet von der Gewissheit, dass es für immer vorbei ist und man den Anderen trotz verzweifelter Versuche doch nicht vergessen kann. Dieses Gefühl haben Element Of Crime eingefangen, in ein Lied gegossen, verpackt und für ewig verschweißt. Ein ähnliches Kunststück als ob jemand in der Lage wäre Wolken, Sonnenstrahlen oder die Tränen Gottes einzufangen.

Ich nehm deine Katze und schüttel sie aus
Bis alles herausfallt
Was sie jemals aus meiner Hand fraß

Spater klopf ich noch den Teppich aus
Und find ich ein Haar von mir darin
Dann steck ich es einfach ein
Nichts soll dir böse Erinnerung sein
Verraten, was ich dir gewesen bin
Sag nicht, daß das gar nicht nötig war
Denn schmerzhaft wird es erst hinterher
Wenn wieder hochkommt, was früher mal war
Dann lieber so rein und so dumm sein
wie weißes Papier

Regener singt die Zeilen wie ein gebrochener Mensch, der um sein letztes Bisschen Würde ringt und versucht, sich mit größter Mühe, die positiven Begleitumstände vor Auge zu führen. Wobei wir alle wissen – die Mär vom Positiv denken und dem Glück im Unglück funktioniert bei gebrochenen Herzen nicht. Am Ende setzt dann noch die Trompete ein, traurig und einsam als ob sie nicht zum Lied gehört.

Nicht mal das Meer darf ich wiedersehen
Wo der Wind deine Haare vermisst
Wo jede Welle ein Seufzer
Und jedes Sandkorn ein Blick von dir ist
Am liebsten wär ich Astronaut
Und flöge auf Sterne, wo gar nichts vertraut
Und versaut ist durch eine Berührung von dir
Ich werd nie mehr so rein und so dumm sein
wie weißes Papier

Schöner war Weinen nie.

Auch gestern wurde das Lied gespielt und in einem Atemzug wurden Herzen gebrochen und geheilt. Trotz, der so oft tieftraurigen Lieder, waren beim Konzert nur glückliche Gesichter zu entdecken. Vielleicht war es das Glück von Menschen, welche sich in diesem Augenblick verstanden fühlten. Bis zum endgültigen großen Glück gilt jedoch weiterhin: Durchhalten, Element of Crime hören und die Katze schütteln und schütteln und schütteln……

Andi Bauer

Das letzte Wort zur Postweihnachtsdepression..

…..hat natürlich unsere liebste deutsche Band - Element of Crime

Der weiße Hai (aus dem neuen Album: Immer da wo du nicht bist)

Die Leute, die du liebst sind alle auf Mallorca
und singen dort das Lied vom Schädelweh.
Tritt nicht auf das Laub, darunter wohnt das Grauen
und das Gelbe daneben ist der Schnee.

Freu dich nicht zu früh auf den Sommer
Weihnachten ist gerade erst vorbei
Im Treppenhaus riecht es noch nach Glühwein
Und im Fernsehen läuft der weiße Hai

Hart verdient das Brot, härter die Erkenntnis
und am härtesten ein ganzer Tag mit dir.
Ruf mich einfach an, wenn du Inventur machst
und Hilfe brauchst von einem, wie mir.

Und dazu spielt die Band einen entspannten Countrygroove der sich irgenwie an einem französischen Chanson reibt. So soll es sein – so darf es sein.

Die Band spielt übrigens im Jänner Konzerte - in Wien, Linz & Innsbruck.

Für Liebende, liebeskranke und hoffnungslose Romantiker – die Kür & die Pflicht.

Andi Bauer

Kalt wie Eis und Schwarz wie eine mondlose Nacht

THE XX

Auch so genannte Experten – wie der Autor dieser Zeilen – übersehen oft schwergewichtiges. So folgt an dieser Stelle ein reumütiger Nachtrag zu den besten Platten des Jahres 2009. THE XX.- ein beachtliches Debütalbum.. Um die 20 Jahre alt sind die 4 Mitglieder der Londoner Band und machen Musik welche wie aus der Zeit gefallen scheint, und doch den Zeitgeist oder zumindest den Wunsch der „Entschleunigung“ gerecht wird. Wenn Weniger wirklich Mehr ist – dann geht nicht mehr „Weniger“. Die vorliegenende Sammlung an Liedern ist mehr als „Mehr“. Minimalistische Instrumentierung trifft auf kühl distanzierten Gesang. Man fühlt sich angenehm, schaurig erinnert an die schwarzen musikalischen Löcher welche die großen Joy Divison produzierten und natürlich an die einzigartigen Young marble Giants und an die frühen Echo & the Bunnyman. Und doch ist THE XX ein eigenständiges in sich schlüssiges Debüt das es verdient gehört zu werden. Was sage ich verdient – jeder Musikfreund hat die verdammte Pflicht hier mal reinzuhören. In Chritalized trifft eine nervöse Gitarre auf einen sich immer wieder verlierenden Basslauf. Dazu singen Romy Craft und Oliver Sim und spielen sich die Worte gegenseitig zu, als ob Sie Ping Pong am Mond spielen würden – jenseits der Schwerkraft. In Shelter singt Romy bedrückend gespenstisch: „Maybe I have said something, that was wrong – Can I make it better with the lights turn on“. Dazu eine Gitarre – kalt wie Eis und ein bedrohlich unruhiger Basslauf. Das Licht geht aber nicht an – es bleibt dunkel und kalt.

Andi Bauer

Der König ist tot

Michael Jackson ist tot – gestorben am 25. Juni in Los Angeles. Ab 29. August 2008 feierte der Künstler seinen 50sten Geburtstag.. Die Welt feierte Ihn mit Best of CDs, Shows, Berichten und vielem mehr. Als er 1982 sein Meisterstück „Thriller“ aufnahm war er 24 Jahre alt. Dazwischen passierte viel. Der ganz große Erfolg. Hunderte Millionen verkaufter Platten, Welttourneen mit Millionen von Besuchern, unzählige Preise und erzielte Rekorde. Und es passierte auch der immer größer werdende Wahnsinn. Operationen und Sauerstoffzelte, Hochzeiten und Scheidungen, veröffentlichte Probleme und öffentliche Sorgen, Anklagen, Gerichte und Vergleiche.

Michael Jackson ist eine der erfolgreichsten und eine der öffentlichsten Persönlichkeiten aller Zeiten. Jeder glaubt alles über Ihn zu wissen – was natürlich Quatsch ist. Wir wissen nichts. Wir urteilen nur aufgrund eines Bildes welches sich nach jahrzehntelangem Medienbombardements formte. Natürlich ist Jackson an seinem Image nicht ganz unschuldig. Heute wird er nur noch als kauzige, gebrochene Kunstfigur wahrgenommen. Trotzdem hat sich diese Behandlung durch die Medien – meiner Ansicht nach – niemand verdient. Sein Image ist inzwischen ein Selbstläufer geworden und wahrscheinlich irreparabel.

Was bleibt ist die Musik und die ist noch immer großartig. Seine Aufnahmen von 1979 bis 1987 sind mit Abschlägen Zeugnisse eines ganz großen Genies. „Thriller“ (1982) ist immer noch das meistverkaufte Album aller Zeiten (ca. 60 Millionen Einheiten) und bis heute ein makelloses Meisterwerk der Popgeschichte. Neun Titel sind darauf zu finden. Nur Hits, kein Füller, kein Gramm Fett. Sieben davon wurden als Singles ausgekoppelt und erreichten die US-Top Ten. Aber all diese Fakten sind nur Beiwerk. Wesentlich ist, dass die Musik den Test der Zeit überstanden hat – mühelos. Kramen sie ihre alte Cd oder Langspielplatte hervor und legen sie das Teil auf. (Sie besitzen die Platte nicht ??? – kaufen!).

Die mitreißende Melodie von „Billie Jean“, der unwiderstehliche Groove von „Wanna be starting something“, die Hardrock Gitarren in „Beat it“, die perlenden Gitarrenläufe und Keyboards in „P.Y.T.“, das bezaubernde „Human Nature“ begeistern noch heute. Quincy Jones produzierte superb, vereinte Pop mit Groove, Schwarz mit Weiß und Eleganz mit Leidenschaft. Und Michael Jackson – tanzte und sang wie von Göttern geküsst. Besser wurde er nicht mehr - und Popmusik auch nicht.

May He find peace in the other world.

Andi Bauer

Anbei ein Bericht in Billboard mit dem legendären Auftritt von 1983

Ps. inzwischen sind die Plätze 1-15 der Amazon.com Verkaufscharts ausschließlich von Michael Jackson CDs belegt - hat auch noch niemand geschafft.

hungry

TINDERSTICKS ...

Pling, Pling . . . ein schüchternes Klavier eröffnet mit einsamen Tönen diese Platte. Langsam gesellen sich andere Instrumente dazu: Gitarre, elektrisches Piano, Orgel schön aufgereiht. Eine Vorstellung gelehriger Schüler? Es ist der seltsam subtile Einstieg in ein neues Werk der Tindersticks. Jener wunderbaren britischen Band welche in den frühen 90ern die Musikszene mit einzigartigen Meisterwerken beglückte. 1993 veröffentlichten Sie ihr Debütalbum – ein Jahrhundertwerk welches überall als Platte des Jahres gefeiert wurde. Dieser einzigartige melancholische Stil zwischen Folk, Blues und Pop zwischen verzerrten Gitarren und betörenden Arrangements, mit Texten zwischen dunklen Leidenschaften und gebrochenen Herzen hielt zwei weitere Alben. „Tindersticks II“ 1995 und „Curtains“ 1997 begeisterten die Presse und betörten die Fans. Anschließend versuchte sich die Band 3 Alben lang am Soul und verhob sich auf höchstem Niveau. Polierte Arrangement und ein croonender Sänger sollte nicht ganz das Ihre sein. Und dann waren Sie weg – nach einer letzten Tour 2003 tauchte die Band unter. Sänger und Songwriter Stuart Staples zog nach Frankreich veröffentlichte zwei kauzige Soloplatten und spielte beim Donaufestival in Krems.
Mit einem neuen Album hat eigentlich niemand mehr gerechnet.
Comeback rufen die unwissenden. Ach, was sind schon 5 Jahre für eine Band welche immer schon Musik für die Ewigkeit machte und es sich zwischen allen Stilen und jenseits des Zeitgeistes bequem machte. „The Hungry Saw“ klingt auch als ob die Band nie weg war. Alles ist wieder da was die Musik so unwiderstehlich machte. Die Orgel, der Kitsch und das Grauen, Die Streicher diesmal ein bisschen weniger, das Klavier diesmal ein bisschen mehr und Stuart Staples Stimme zwischen murmeln und seufzen. Und ein weiteres Mal werden die blutenden Herzen ausgepackt und seziert: „We wanted so much more, we wanted something else“ Schonungsloser kann man das Älterwerden und der damit unweigerliche Verlust einstiger Ideale nicht in einen Satz packen. Natürlich bleiben die Tindersticks ewige Romantiker und waten dabei ohne sich je im Zynismus zu verlieren durch den Sumpf von Enttäuschungen, wehmütiger Erinnerungen, unerwiderter Liebe und gebrochener Herzen. Und trotz der Besinnung auf alte Stärken ist die Musik vorwärts gewandt. Die französische Landluft hat gut getan. „Die flicker of a girl“ ist von einer frühlingshaften Leichtigkeit getragen und „Come Feel the Sun“ atmet schon fast den Sommer. Nur lange scheint sie nicht – die Sonne. Der Titeltrack schneidet böse ins Fleisch und „Yesterdays Tommorws“ sucht vergeblich den Trost in der Vergangenheit. Aber am Ende bleiben dann doch die Balladen welche sich majestätisch über den Hörer erheben. Der finale Dreier ist ganz großes Drama. „Boobar come back to me“, “All the Love” und „All the turns we took“ lassen alle Dämme brechen. Welch eine Platte – Welch erhebende Musik. Es gibt nicht mehr viel davon.
Wir haben die Einladung zu einer königlichen musikalischen Audienz erhalten. Nehmen wir diese dankbar war.

(copyright:) Andreas Bauer

third

PORTISHEAD .....

Was sind schon 11 Jahre? 1994 veröffentlichten Portishead ihr erstes Album. „Dummy“ gilt nach wie vor als Meilenstein in der Musiklandschaft; es begründete ein neues Genre (Triphop) und prägte die darauffolgende Musikepoche. Nach dem zweiten Album und einer Live-LP (1998) verschwand die Band – einfach so. Natürlich wurde auch in der Zwischenzeit „ähnliche“ Musik gemacht. „Tricky“, „Massive Attack“, „Radiohead“, „Morcheeba“, „Björk“ und viele mehr bastelteten an den Knöpfen und verbreiteten ihre traurigen Melodien. Und jetzt kann man all ihre Platten nehmen und entsorgen. Man wird sich nun fragen, ob man in Zukunft überhaupt neue Musik benötigt, denn wir haben die neue LP von Portishead gehört. Was für ein Werk. Unbeschreiblich, unfassbar. Entrückt und anziehend wie ein schwarzes Loch. Ein Monolith, welcher sich jeder Beschreibung entzieht. Man hört zu und fasst es nicht: Krautrock? Industrial? Freejazz? Trip Hop? Avantgarde? Nichts von all dem und doch alles und vieles mehr. In einer Zeit, in der die Musikindustrie unentwegt jammert (über das „böse“ Internet) und das Crossmarketing vorherrscht, wo alles mit jedem verkauft werden muss; in einer Zeit, in der Bands wie Radiohead glauben, dass der Zukunftserfolg im Verschenken von Musik liegt, zeigen Portishead, dass die Zukunft der kriselnden Musikindustrie nur in guter Musik liegen kann. In einer Zeit, in der die kleinste Indie-Band einen Marketing- und Stylingplan hat, wirft eine Band wie Portishead ein Album auf den Markt, das weder seiner Zeit entspricht, noch irgendwo hinpasst und sich nicht vermarkten lässt. Sie veröffentlichen somit die einzige richtige Platte für unsere Zeit. Niemand in der ganzen Branche hat die Innovation, den Mut und die Konsequenz solche Musik zu veröffentlichen. Portishead tun es – weil Sie es können und weil sie es wollen. Die beste Platte des Jahrzehnts?

Mindestens!

copyright: Andreas Bauer